Museo

★★★ ½

México: 2018, 119 min.
Clasificación: B15
Director: Alonso Ruizpalacios
Guión: Alonso Ruizpalacios, Manuel Alcalá
Con: Gael García Bernal, Leonardo Ortizgris, Alfredo Castro, Bernardo Velasco, Simon Rusell Beale.
Cine de Autor. Drama. Intriga. Road Movie.

Juan Nuñez --como los protagonistas de Güeros (2015), la otra película del mexicano Alonso Ruizpalacios-- vaga por una vida a la que no le encuentra sentido. Lleva años sin titularse como veterinario. No tiene empleo. Sus hermanas ya tienen familia y viven fuera de casa. Incluso su tío bueno-para-nada se consiguió una novia joven y guapa. Y, la verdad, Juan (a diferencia de los protagonistas de Güeros) está harto de esperar a que un cambio suceda. Entonces decide hacer una hazaña extraordinaria: robar el Museo de Antropología, donde trabajó ese verano. 

Lo que hace de Museo tan interesante es el misterioso personaje de Juan. Al contar la historia desde  la perspectiva de su mejor amigo Benjamín Wilson (Leonardo Ortizgris, sensible y encantador) la película mantiene una distancia suficiente para darnos cuenta de la clave de su protagonista: Juan ha renunciado a sí mismo. 

Incluso cuando su amigo o su familia lo apoyan e intentan animarlo (a su manera) Juan es el único que no tiene fe en quien es. Su robo al museo es un intento patético y desesperado de... ¿qué? ¿De probarse lo que vale? ¿De hacerse rico? ¿De rebelarse contra las expectativas de la sociedad? Wilson no comprende sus motivos, pero se vuelve su cómplice de todos modos. De hecho, ni el mismo Juan parece entender, pero su determinación es inamovible.

Más allá de las caóticamente divertidas escenas de convivencia familiar o de los tensas secuencias en Antropología, en el fondo, Museo es la tragedia de un hombre que no puede hacer nada para dejar de considerarse patético. La trama avanza más allá del robo gracias a las ambiciosas (aunque claramente desesperanzadas) decisiones de Juan para mostrarse mejor de lo que se siente. No obstante, si no encuentra propósito a su vida, ¿qué tan lejos podrá llegar? 

En esta ocasión, el director Ruizpalacios diluye mucho el estilo pretencioso que usó en Güeros, y obtiene un mucho mejor resultado. Aún es capaz de conjurar imágenes y sonidos frescos, inesperados y dinámicos (con gran ayuda de su director de fotografía Damián García, el compositor Tomás Barreiro, y el equipo de sonido supervisado por Javier Umpierrez) pero el efecto aporta a la historia y realza el estado emocional de sus personajes. Desde el ominoso prólogo capta nuestra atención y, a pesar de algunas tangentes extrañas, la mantiene toda la película.

Con Museo, Ruizpalacios y su co-guionista Miguel Alcalá ganaron el premio al Mejor Guión en el Festival de Berlín. La historia está basada en un hecho real ocurrido en 1985. Qué tan verídica sea respecto al personaje Juan Nuñez, eso no sabría decirlo, pero, contada de esta forma, resulta bastante entretenida y extrañamente triste.  

A Star is Born

★★★ ½

Nace una estrella
USA: 2018, 135 min.
Clasificación: B15
Director: Bradley Cooper
Guión: Bradley Cooper, Eric Roth, Will Fetters,
Con: Bradley Cooper, Lady Gaga, Sam Elliott, Anthony Ramos, Rafi Gavron, Dave Chappelle, Andrew Dice Clay.
Drama. Musical. Romance.

Realmente son dos estrellas las que nacen con este nuevo remake de A Star Is Born: el director / cantante Bradley Cooper y la actriz Lady Gaga. Los rumores son ciertos: él se escucha como una estrella country; ella actúa como una estrella de Hollywood. Parte del gozo meta narrativo de esta película es que disfrutamos el riesgo y el atrevimiento de nuestros intérpretes, al tiempo que queremos a sus personajes por hacer lo mismo.

El continuo éxito de la historia de A Star Is Born, me parece, se basa en su forma de retratar el amor. Primero, como un ideal: dos personas que se admiran y complementan, y aprenden a amarse a través de su arte. Segundo, como una tragedia: a pesar de su amor no pueden controlar sus peores impulsos, aunque en ningún momento dejan de desearse bien. Creo que cualquiera puede identificarse con al menos una de estas dos expresiones. (Además, a todo esto se suma nuestra fascinación por la fama, resultando en una fórmula ganadora.)

Bradley Cooper en La La Land.

Jackson Maine (Bradley Cooper) es un cantante alcohólico en continua picada. Se está quedando sin oído y depende de los cuidados su hermano (Sam Elliott, brillante en pocas escenas), quien también es su manager. Ally (Lady Gaga) es una gran cantante que no ha tenido suerte sólo por su aspecto físico. Trabaja en una cocina de día y por las noches interpreta covers en vivo en un bar de drags (las dragas hacen todo más gracioso, lo juro).

Inevitablemente se conocen una noche. Él queda fascinado con su talento. Caminan y platican. Se conocen. Ella le muestra una de sus composiciones. Él la invita a un concierto donde la anima a cantar para su público. Pronto empiezan a enamorarse y a cantar juntos en más shows… pero él es un adicto y ella está en pleno camino hacia la gloria. ¿Qué tan lejos podrán llegar antes que todo se derrumbe?

La primera mitad de la película --donde se muestra el ascenso de Ally-- es la mejor. Es hermoso ver a ambos personajes descubrirse mutuamente a través de la música y llevándose a vivir momentos que no imaginaban. La química de los protagonistas es crucial y tanto Cooper como Gaga nos venden el romance. 

Él está brillante: aunque su papel no tiene una caracterización extensa, balancea perfectamente lo horrible de su adicción con su carisma natural. La bondad de Jackson sobresale aún en sus peores momentos, haciendo fácil entender por qué ella querría permanecer a su lado. Lady Gaga interpreta a Ally como una chica normal y bondadosa, con varias inseguridades pero sin ser una ingenua. La escena en la que canta <<Shallow>> (Oscar a Mejor Canción garantizado) es una maravilla: en su rostro se refleja todo el conflicto de sus emociones, hasta que, poco a poco, vemos el nacimiento de una estrella sobre ese escenario.

Si hay un problema con la película, está en su segunda parte. Quizás está demasiado enfocada en Jackson. Las historias de adicción se me hacen limitadas por su naturaleza recursiva y reiterativa. Aunque el guión hace lo que puede por avanzar la historia, se estanca cuando descuida la perspectiva de Ally. Se abandona temas relevantes a su arco desde el principio: el peso de la fama, la incomodidad con los fans, la honestidad de su música. Además, Cooper parece insistir que ella le debe todo a él --reflejado en la súbita transición de Ally en una artista pop superficial (una cosa es el look de diva, otra es la composición de su música), a quien él debe “rescatar” escribiéndole una canción y con ciertos sacrificios--. La última hora de la película parece limitada al alcohol y la codependencia amorosa, cuando era mucho más que eso al principio.

No obstante, incluso en sus momentos más débiles, el excelente soundtrack es lo que sostiene y une la experiencia. La evolución de los géneros musicales y la instrumentación de las canciones acompaña perfectamente la evolución de sus protagonistas. Folk con una guitarra, Country rock, Pop básico, Baladas con orquesta… todas tienen un sentido (si tan sólo hubieran recurrido al potente recurso musical del reprise hacia el final, el camino hubiera sido perfecto). Incluso el diseño sonoro cambia: la claridad y limpieza de las voces van aumentando entre “más producidos” están sus artistas.

La verdad, qué gusto es oír a Gaga cantar. La mayoría podrá estar sorprendido de cómo logró alejarse de su extravagancia para actuar, pero a mí me impresionó su versatilidad como intérprete vocal. Su voz es lo que más sobresale de A Star Is Born y Cooper, el director, nos deja disfrutar de ella. Menos notoria, pero igual de maravillosa, es la fotografía de Matthew Libatique, cuya cámara en mano, uso del color, e iluminación con reflectores dan mucha energía, sin quitarle protagonismo a nadie.

Como su brillante campaña publicitaria nos recuerda, esta historia sobre dos artistas que creyeron en el otro y encontraron amor en el arte es más que la trama de esta película; también se trata de Lady Gaga y Bradley Cooper. Tal vez ese sea el encanto más grande de A Star Is Born: en cierta forma, su detrás de cámaras refleja una versión de lo que vimos en pantalla. Y, definitivamente, ambos artistas nos mostraron algo muy bonito. 





Por cierto, mi Top 5 del Soundtrack
1. Is that Alright?
2. Shallow
3. Always Remember Us This Way
4. Maybe It's Time
5. La Vie en Rose

Los Increíbles 2

★★ ½

The Incredibles 2

USA: 2018, 118 min.

Clasificación: A

Director: Brad Bird

Guión: Brad Bird.

Acción. Aventura. Superhéroes.

Si había una película de Pixar que siempre ameritó una secuela era Los Increíbles: los superhéroes, su universo retro-futurista, la familia Parr… todos nos quedamos ganas de más. Aunque Toy Story 2 y 3 funcionaron perfectamente bien; las dos de Cars, Monsters U, y Buscando a Dory, dejaron mucho que desear. Ahora, 14 años después, llega Los Increíbles 2, rodeada de nostalgia, el mismo equipo encabezado por Brad Bird, y animación de la más alta calidad. El resultado es muy divertido pero, tristemente, no es increíble. 

Era imposible (en especial en esta década dominada por Marvel) mantener la sorpresa y frescura de la primera, sin embargo, no puedo evitar decepcionarme porque esta secuela falla en llegar a los niveles de empatía, perspicacia, y emocionalidad de la original. La historia, continuación inmediata de la primera parte, sigue a Elastigirl en su nuevo trabajo como defensora de la legalidad de los superhéroes, mientras que Bob se queda en casa a cuidar a sus hijos. La inversión de roles tradicionales es interesante, pero, me parece, se trata de una forma un tanto limitada: el guión inicia una especie de rivalidad entre Increíble y Elastigirl (misoginia interiorizada detectada), y la dinámica de papá-de-casa se trata como chiste algo anticuado, en vez de como una oportunidad de catarsis sentimental. Además, separar a la familia Parr por tanto tiempo rompe la química familiar que es fundamental en la franquicia.

Tristemente, Los Increíbles 2 no se preocupa en evolucionar a sus personajes en el aspecto emocional o personal, así como lo hizo e lo técnico. Seguro, el director/guionista Brad Bird hizo un filme entretenido con el que es fácil reírse. Los reto a no disfrutar dos horas de reencuentro con los Increíbles. Pero, lo le que faltó, fue reforzar el lazo emocional que tenemos con ellos; seguir creciendo y aprendiendo junto con ellos. Los Increíbles 2 se conforma con ser un ejercicio de nostalgia, que siempre es bien recibida, aunque, creo, los Parr merecían más.

Realmente, esta secuela es un pretexto para gozar de más acción, más diversión, más risas, y más aventuras con algunos de nuestros personajes favoritos. Y en todo esto, triunfa inigualablemente. 14 años de avances tecnológicos han vuelto a los Supers una gloria visual (¡el hielo de Frozono! ¡Elastigirl atravesando toda la ciudad!), y sus peleas ahora son más complejas, grandes, y caóticas. Además, los equipos de diseño y arte hicieron un trabajo maravilloso en expandir el universo. No obstante, el amo y señor de la película es Jack Jack, quien protagoniza las mejores escenas (feat. Edna Moda) y combates (feat. el animal Disney de la década).

Isle of Dogs

★★★ ½

Isla de Perros
USA: 2017, 101 min.
Clasificación: A
Director: Wes Anderson
Guión: Wes Anderson.
Historia: Roman Coppola, Jason Schwartzman, Kunichi Nomura, Wes Anderson.
Con: Bryan Cranston, Koyu Rankin, Kunichi Nomura, Ed Norton, Bill Murray, Bob Balaban, Jeff Goldblum, Liev Schreiber, Scarlett Johansson, Frances McDormand, Greta Gerwig.
Comedia. Aventura. Animación.

Wes Anderson y la animación stop-motion son el uno para el otro. A través de este medio, el obsesivo director tiene la libertad de crear literalmente cada elemento tal y como lo imagina. El resultado es su película más estéticamente impresionante hasta ahora: Isle of Dogs es un ejercicio en forma y estilo positivamente excesivos, que serían abrumadores en manos de alguien más, pero Anderson permea de entusiasmo y asombro (casi infantil) cada cuadro, manteniendo nuestro completo interés.

La historia es sencilla, pero --como es su costumbre-- el director la enreda empleando prólogos, saltos temporales y paréntesis narrativos. En el futuro cercano, la ciudad de Megasaki, Japón, es una distopía controlada por un corrupto Mayor (Kunichi Nomura), quien atemoriza a su gente cuando una epidemia ataca a todos los perros. Como resultado, exilia a estos animales a una isla cubierta de basura, donde planea exterminarlos para siempre. Su pupilo, Atari Kobayashi (Koyu Rankin), escapa para salvar a su guardián, Spots (Liev Schreiber), y en el camino, será ayudado por un excéntrico grupo de canes, liderados por Chief (Bryan Cranston). Mientras, en la ciudad, una alumna de intercambio (Greta Gerwig) investiga su teoría conspiracionista detrás de la epidemia.

El gusto de ver una película de Wes Anderson, más allá de la trama y el humor ácido, es admirarlo admirar su propio ingenio. Este es un hombre muy listo (a veces demasiado) que parece filmar sólo para divertirse a sí mismo. Es un niño jugando (con perritos y samurais en este caso), por eso su trabajo tiene reacciones muy divididas: hay quienes encuentran encantador presenciar cómo explora los límites de su imaginación; y hay quienes lo encuentran inmaduro y condescendiente. Yo en lo personal disfruto mucho de sus películas más recientes, los considero trabajos íntegros de construcción de universos, y ya no cuentos ligeramente pretenciosos sobre adultos inmaduros (como Rushmore o The Royal Tenenbaums).

Lo cierto es que Anderson no es un director que conecte con sus emociones y personajes de una forma cálida u orgánica (Moonrise Kingdom sigue siendo, a mi parecer, su mejor película, por ser la única en la que el corazón triunfa sobre el estilo). En Isle of Dogs, la relación principal niño-perro aún se siente algo apurada y obligada; y los chispazos románticos parecen innecesarios. Lo que sí logra consistentemente este director, es estimular nuestro intelecto. Aquí cada encuadre está tan lleno de detalles simpáticos, que en todo momento había alguien en la sala de cine emitiendo una risa sutil. Y, sobre todas las cosas, Anderson nos regala un nuevo festín visual y auditivo.

Los diseñadores de producción Paul Harrod y Adam Stockhausen (el último ganó el Oscar por Hotel Budapest) crean un universo rico, asombroso, y bellísimo, usando cultura japonesa y pilas de basura como inspiración. La decisión de construir sets, maquetas, modelos y efectos visuales con materiales reales --en vez de por computadora-- le da a la película una sensación táctil e hiperrealista (incluso cuando todo es fantástico). Los elementos japoneses funcionan bastante bien a nivel narrativo y visualmente Wes los aprovecha para rendir varios homenajes a Kurosawa y compañía. Los zooms, pans, y travellings de cámara andersionianos están aquí también, y su efecto cómico es tan simpático como siempre (al igual que los letreros y señales, con los que se da vuelo en esta ocasión porque #kanjis) . Y, sobre todo, la música de Alexandre Desplat, llena de tambores taiko y flautas, evoca a la perfección las grandes épicas niponas, al tiempo que dan urgencia y ritmo a la historia.

Creo que Isle of Dogs es la película más creativa de Wes Anderson hasta ahora. Es un trabajo de pura imaginación, y la animación le permite romper sus propios límites. En esta ocasión no es tan afectivo o empático, a pesar de sus claros comentarios políticos. (También creo que su resolución fue algo anticlimática). Aun así, es un trabajo que merece ser visto --y más de una vez, para disfrutar y encontrar todos los detalles--, merece ser querido, y debe ser apreciado para cualquier amante del cine. Ya estoy emocionado por su siguiente película, cualquiera que sea.

Avengers Infinity War

★★★ 

USA: 2017, 149 min.
Clasificación: B
Director: Anthony & Joe Russo
Guión: Christopher Markus, Stephen McFeely.
Con: Todo el mundo :O Robert Downey Jr., Chris Hemsworth, Mark Ruffalo, Chris Evans, Benedict Cumberbatch, Tom Holland, Josh Brolin, Scarlett Johansson, etc etc etc etc etc
Superhéroes. Acción. Aventura.

Por mucho tiempo, pareció que ninguna acción en el MCU tenía repercusiones significativas: nuestros héroes triunfaban sobre cualquier villano, ya sea Ultron, Ronan, Hela, Dormammu, el Mandarín falso, el intrascendente villano de Thor 2, Hydra, etc. Sabíamos que siempre estarían a salvo del peligro, porque Disney ya había anunciado una secuela u otro crossover donde aparecerían después. Pero ya no más. Infinity War es la primera película de Marvel con consecuencias reales. Es el principio del fin, así que ya no necesita alargar la historia del Universo Cinematográfico, sino ajustar sus piezas para hacerla terminar.

La ganancia principal de este cambio es una tensión y suspenso que no existía en ninguno de los 18 títulos anteriores de esta saga (con posible excepción de Winter Soldier), así como el impacto emocional de ver a los Vengadores enfrentarse a un problema que, ahora sí, tal vez no puedan superar. Además, los guionistas Markus y McFeely, consiguen meter sorpresas y escenarios inesperados, que, sumados a la ambición de tener a 20+ superhéroes a la vez, dan a la experiencia suficiente originalidad --aunque no elevan la película a una propuesta novedosa, como The Dark Knight o Logan-- y exaltación.

La trama involucra tantos puntos que no pienso describirla. A veces puede parecer demasiado saturada (definitivamente alguien nuevo al MCU se sentirá más que perdido), pero, en general, los hermanos Russo consiguen equilibrar el tiempo de cada personaje, y combinar humor, acción, y tragedia. Thanos (Josh Brolin) es un villano sorprendentemente zen. La película se da el tiempo de explorarlo lo suficiente para entenderlo y, por ello, no es desechable. Además, el hecho de que su código de honor (sacrificar a muchos para que todos sobrevivan) se contrapone al de nuestros héroes (no sacrificamos a nuestros amigos), en particular de Tony Stark.

Las batallas y peleas son incesantes --aunque no tan masivas como uno esperaría--, pero los cineastas encuentran formas de combinar las habilidades de los personajes para que sigan siendo entretenidas (aunque, honestamente, el 80% de los Avengers golpea y tiene el poder de la súper gimnasia). En particular, exijo que Marvel encargue un crossover de espías internacionales con Natasha (Scarlett Johansson), y el Crew Black Panther: Okoye (Danai Gurira), Nakia (Lupita Nyong’o -tristemente ausente en este filme-) y Shuri (Letitia Wright).

En fin, creo que Infinity War apunta a algo bueno. Sigue siendo una primera parte de algo mayor, pero tiene una resolución a los problemas principales que plantea. Honestamente, en acción y trama no es realmente tan distinta al resto de las películas de Marvel, pero se beneficia de la urgencia de parar a Thanos y la fragilidad de la vida de nuestros héroes. Tengo fe en que la siguiente Avengers nos llevará, al fin, a algo nuevo. Mientras tanto, podemos disfrutar -y sufrir- con este muy entretenido blockbuster.

Quiniela Oscars 2017 — 2018

¡Hoy son los Premios Oscar!

Me he estado esforzando por ver todas las nominadas que pude en este tiempo. Tristemente, todavía me faltaron algunas. Una vez más, alcancé a ver las 9 nominadas a mejor película antes de la ceremonia. Al fin de forma legal, porque todas tuvieron estrenos antes de la fecha de la ceremonia.

Aquí mis comentarios y predicciones para este año. Espero que la próxima semana pueda compartir mis propios premios y reconocimientos personales (basándome en las películas que he visto que eran elegibles este año, que obviamente no son todas las del año :/)


Mejor Película
Va a Ganar
Three Billboards Outside Ebbing, Missouri
Podría Ganar 

 Get Out

¿Cómo votaría yo? 

1.Call Me By Your Name
2. Dunkirk
3. Lady Bird
4. The Shape of Water
5. Phantom Thread
6. Get Out
7. Three Billboards Outside Ebbing, Missouri
8. The Post
9. Darkest Hour
Merecía Nominación
Blade Runner 2049
The Florida Project

Parece que todos han amado Three Billboards, a pesar de ser muy controversial. ¿Podrá ganar película sin su director nominado? Además la ganadora del Independent Spirit Award a mejor película ha ganado en los Oscar por 4 años consecutivos... ¿hay esperanzas para Get Out, entonces?



Mejor Director
Va a Ganar
Guillermo del Toro, The Shape of Water
Podría Ganar
Greta Gerwig, Lady Bird

¿Cómo votaría yo?
Christopher Nolan, Dunkirk
Merecía Nominación
Luca Guadagnino, Call Me By Your Name

Amo a del Toro y es claro que el Toro ama The Shape of Water. Mejor Dirección se ha vuelto "diección más evidente", tal vez por esto la película con más nominaciones de cada edición ha ganado este premio desde 2010 (con excepción de Life of Pi, que ese quedó a nada, pero era considerada el "logro-técnico-del-año"). Su Oscar está asegurado... a menos que la política e Hollywood prefiera premiar a Greta Gerwig y reforzar el poder de la mujer.
No obstante, creo que Nolan hace un trabajo aún mejor: Dunkirk es una experiencia visceral. Más que verla, es una película que vives. La claridad de Nolan permite que la enredada narrrativa funcione y consga su efecto.



Mejor Actor
Va a Ganar
Gary Oldman, Darkest Hour
Podría Ganar
Timotheé Chalamet, Call Me By Your Name

¿Cómo votaría yo?
Timotheé Chalamet, Call Me By Your Name
Merecía Nominación
Nahuel Pérez Biscayart. 120 BPM

Timothée Chalamet es tan bueno que ni siquiera te das cuenta de que está actuando. Sin embargo, cada emoción, ilusión, duda, inseguridad, temor, y pensamiento de Elio se registran clara y transparentemente al espectador. Brillante. Gary Oldman, por otra parte, es muy bueno haciéndote notar que está actuando. Eso, y una filmografía impresionante le van a dar la victoria. 

Fui fan de Daniel Kaluuya (sus ojos son hipnóticos y la serenidad que aporta al desquicie de Get Out es la razón por la que esta película funciona), sabemos Daniel Day-Lewis es un genio, Nahuel Pérez Biscayart dio mi interpretación favorita del año y ni siquiera fue nominado, la controversia alejó a James Franco de los premios aunque básicamente se convirtió en Tommy Wiseau… pero Gary Oldman va a ganar.



Mejor Actriz
Va a Ganar
Frances McDormand, Three Billboards Outside Ebbing, Missouri
Podría Ganar
Sally Hawkins, The Shape of Water

¿Cómo votaría yo?
Sally Hawkins, The Shape of Water
Merecía Nominación
Vicky Krieps, Phantom Thread
Florence Pugh, Lady Macbeth

Es la única categoría interpretativa en la que creo que todas las actuaciones son dignas de consideración (sólo por eso no me enojo por la omisión de Vicky Krieps, nuestra nueva y mejorada Alicia Vikander).
También es la única victoria interpetativa de este año que no me va a hacer enojar: Frances McDormand merece todo; su interpretación es cruel, dolorosa, divertida, carismática y compleja. Personalmente votaría por Sally Hawkins, porque s luz y calidez resonaron muy personalmente en mí, pero admito que Frances en 3Billboards es impresionante (y es posiblemente el papel más difícil y exigente de los cinco).



Mejor Actor de Reparto
Va a Ganar
Sam Rockwell, Three Billboards Outside Ebbing, Missouri
Podría Ganar
Willem Dafoe, The Florida Project

¿Cómo votaría yo?
Woody Harrelson, Three Billboards Outside Ebbing, Missouri
Merecía Nominación
Michael Stuhlbarg, Call Me By Your Name
Ray Romano, The Big Sick
Arnaud Valois, 120 BPM
Gil Birmingham, Wind River
Harrison Ford, Blade Runner 2049
        …. demne otros 10 minutos y les armo un tercer quinteto.

Incluso sin nominación, Michael Stuhlbarg es el actor secundario de 2017. Apareció en tres de las nominadas a mejor película, un logro que sólo han conseguido otras 5 personas en los 90 años de los Oscar. Sus personajes son muy distintos en The Shape of Water, The Post, y en Call Me By Your Name. En CMBYN inspira ternura, inteligencia y comprensión, en cada una de sus escenas. También es el responsable del monólogo del año, con una sensibilidad y afecto tan inmensos que es imposible no llorar aunque sea un poquito.
Sam Rockwell siempre se me ha hecho un buen actor, pero ni siqueira es el mejor nominado de 3Billboards en esta categoría.



Mejor Actriz de Reparto
Va a Ganar
Allison Janney, I, Tonya
Podría Ganar
Laurie Metcalf, Lady Bird

¿Cómo votaría yo?
Laurie Metcalf, Lady Bird
Merecía Nominación
Sienna Miller, The Lost City of Z
Betty Gabriel, Get Out
Holly Hunter, The Big Sick

Todos amamos a Allison Janney. Su LaVona es una creación despiadada, pero Janney logra hacerla carismática sin perder la crueldad. Aún así, creo que Laurie Metcalf, con todos sus matices y sutilezas, da la mejor actuación de este grupo (que, recordemos, también incluye a Lesley Manville).



Mejor Guión Original
Va a Ganar
Martin McDonagh, Three Billboards Outside Ebbing, Missouri
Podría Ganar
Jordan Peele, Get Out

¿Cómo votaría yo?
Greta Gerwig, Lady Bird 

Merecía Nominación
Taylor Sheridan, Wind River

Ojalá me equivoque en esta predicción y la academia decida que Jordan Peele o Greta Gerwig no pueden irse sin ningún premio... pero la Mejor Película suele ganar Mejor Guión.... Si escuchan 'Get Out' chance Three Billboards no vaya a ser la campeona.

Lady Bird consigue lo casi imposible: la película se siente como observaramos realmente la vida de alguien; en parte porque Gerwig construye a cada uno de sus personajes con una atención tal que cada uno de ellos se siente como un verdadero individuo y no un personaje.



Mejor Guión Adaptado
Va a Ganar
James Ivory, Call Me By Your Name
Podría Ganar
Dee Rees & Virgil Williams, Mudbound

¿Cómo votaría yo?
James Ivory, Call Me By Your Name
Merecía Nominación
Hampton Fancher & Michael Green, Blade Runner 2049

James Ivory, el legendario director británico de 89 años, on un Oscar. Hermoso.

La mejor secuela de la década merecía una nominación al menos aquí

Cinematografía
Va a Ganar
Blade Runner 2049, Roger Deakins
Podría Ganar
The Shape of Water, Dan Lausten

¿Cómo votaría yo?
Blade Runner 2049, Roger Deakins
Merecía Nominación
The Florida Project, Alexis Zabe

ROGER DEAKINS DEBERÍA TENER AL MENOS 2 OSCARS EN ESTE PUNTO DE SU CARRERA.
Academia, esta es su oportunidad para enmendar el error y si no gana Deakins, juro que alguien arma un paro laboral en Hollywood.
En un universo paralelo, en el que Deakins tiene los Oscars que merece (en lo personal creo que debió ganar por O Brother Where Art Thou (2000), No Country for Old Men (2007), y Skyfall (2012)), quizás hubiera votado por Hoyte van Hoytema porque su trabajo en IMAX u 65mm para Dunkirk es inmersivo y precioso.



Diseño de Producción
Va a Ganar
The Shape of Water
Podría Ganar
Blade Runner 2049

¿Cómo votaría yo?
Blade Runner 2049
Merecía Nominación
The Lost City of Z

El diseño de La Forma del Agua es precioso y ayuda a contar la historia de forma perfecta... no obstante, fui fan del trabajo de Dennis Gassner e BR2049: es una ampliación, extensión y progresión del icónico trabajo de la original, que retiene la esencia inicial pero tiene una identidad propia. ESO es difícil.



Diseño de Vestuario
Va a Ganar
Phantom Thread
Podría Ganar

The Shape of Water

¿Cómo votaría yo?
Phantom Thread
Merecía Nominación
Wonder Woman

Todos los que han ganado el BAFTA + Critics Choice han ganado el Oscar...  menos Jackie el año pasado. Sin embargo, Phantom Thread, una película sobre el mundo de la moda de Londres en la década de los cincuenta suena demasiado bueno para dejarlo pasar. Además, Phanto Thread gustó mucho (6 nominaciones) y  Mark Bridges hizo el vestido más hermoso del año.

Qué alguien me explique cómo no está nominado el trabajo de Wonder Woman. Lindy Hemming hizo ropa londinense elegante, trajes de batalla paa las amazones que son completamente funcionales pero estilizados, y el vestido azul de Diana, pensado para incluir su espada como una parte integral del decorado, es una belleza.



Edición
Va a Ganar
Baby Driver
Podría Ganar
Dunkirk

¿Cómo votaría yo?
Baby Driver... I, Tonya... Baby Driver. Sí, Baby Driver.

Merecía Nominación
Blade Runner 2049

Esta es una gran apuesta pero es que la edición de Baby Driver ha sido mi favorita del año desde que se estrenó. Sincronzia cada corte con la música y la acción y su ritmo construye la energía correcta para cada escena.. Ya ganó el BAFTA y creo que es suficientemente llamativa para ganar el Oscar. 

La estructura narrativa de Dunkirk puede llevarse muchos de los votos y Lee Smith hace un gran trabajo para entrecortar las tres temporalidades y construye escenas con gran claridad y calma. No obstante, si alguien más que Baby Driver gana lo correcto sería I, Tonya: el trabajo es tan fluido que incluso fijándote en los cortes jamás sientes ningún salto brusco.



Banda Sonora
Va a Ganar
The Shape of Water
Podría Ganar
Phantom Thread
 

¿Cómo votaría yo? 

Phantom Thread
Merecía Nominación

Todo menos Star Wars 8 (por ejemplo: Blade Runner 2049, Coco, Darkest Hour, Good Time, The Mountain Between Us, etc. etc.)

El score de Jonny Greenwood para Phantom Thread es una maravilla: casi podría ser una orquestación de una película de los 50, excepto que está minado con disonancias (sutiles o claras) que mantienen la ambigüedad en la película de PTA.

Por otra parte, de las nominadas sólo The Shape of Water tiene una melodía instantáneamente reconocible e icónica que relacione tan automáticamente a la película y creo que este trabajo es más del gusto general de la Academia.



Canción
Va a Ganar
‘This is Me’ The Greatest Showman
Podría Ganar
‘Remember Me' Coco

¿Cómo votaría yo?
‘This is Me’The Greatest Showman
Merecía Nominación
'Visions of Gideon' Call Me By Your Name

'Recuérdame' fue un hit en México, pero no estoy tan seguro de que en USA haya sido tan fuerte como cualquier canción de Showman, que han entrado en los Top 100 canciones en Billboard y top 50 de Spotify Global...... además, la versión de 'Remember Me' que consideran es la PEEEOOOOR de todas: la que cantan Natala Lafurcade y Miguel.



Maquillaje
Va a Ganar
Darkest Hour
Podría Ganar
Wonder

¿Cómo votaría yo?
Darkest Hour
Merecía Nominación
I, Tonya

El Oscar de Gary Oldman también deberían de aceptarlo los mquillistas de Darkest Hour.

Mezcla de Sonido
Va a Ganar
Dunkirk
Podría Ganar

Blade Runner 2049

 ¿Cómo votaría yo? 

 Dukirk
Merecía Nominación
mother!

Nolan subió el sonido de Dunkirk a 28352637939345865480 y el efecto es positivamente desquiciante..... aunque no taaaan desquiciante como el de mother! de Aronofsky.

Edición de Sonido 

Va a Ganar

Dunkirk

Podría Ganar

Blade Runner 2049
 

¿Cómo votaría yo?

Baby Driver

Merecía Nominación

War for the Planet of the Apes

Los efectos de sonido de Baby Driver están en tono y/o ritmo con la música de cada secuencia de acción. Lo chequé. ¿Eso no es suficiente para Mejor Edición de Sonido?

Dunkirk es tu tradicional película de guerra que suele triunfar mucho en este apartado y sólo son derrotadas por películas de ciencia ficción así que OJO con Blade Runner 2049 que ya ganó el gremio de montadores de sonido... ¿pero alguien de la Academia sabrá esto? Claro que no.

 

Efectos Visuales 

Va a Ganar

Blade Runner 2049

Podría Ganar

War for the Planet of the Apes¿Cómo votaría yo?

Blade Runner 2049

Merecía Nominación
Dunkirk

Ninguna película del Planeta de los Simios ha ganado este premio, a pesar de merecérselo en cada una de las ediciones. Los efectos de Blade Runner 2049 ya ganaron el BAFTA y contribuyen a crear de forma perfecta el universo de Deakins y Gassner.



Película Animada

Va a Ganar

Coco

Podría Ganar

NADIE
 

¿Cómo votaría yo?

---

Merecía Nominación 

--

Sólo he visto Coco y aparentemente todos los que votan también, porque ningina otra película ha ganado en esta categoría



Película Extranjera

Va a Ganar
Una Mujer Fantástica
Podría Ganar
The Square

¿Cómo votaría yo?
--
Merecía Nominación
120 BPM

Si invitaron a Daniela Vega a los Oscar es porque vieron y les gustó Una Mujer Fantástica, ¿no?

120 BPM, una de mis películas favoritas del año, ni siquiera pasó el corte y eso me enoja.


Documental
Va a Ganar
Faces Places
Podría Ganar
Icarus

¿Cómo votaría yo?
--
Merecía Nominación
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Agnes Varda, 89, una de las personas más adorables el mundo podría hacer historia ecibiendo un Oscar competitivo y un Oscar honorario el mismo año. Ojalá sí.

 

Phantom Thread

★★★½

El hilo fantasma

USA: 2017, 130 min.

Clasificación: B

Director: Paul Thomas Anderson

Guión: Paul Thomas Anderson

Con: Daniel Day-Lewis, Vicky Krieps, Lesley Manville.

Drama. Romance.

Roger Ebert (un crítico que no sólo evaluaba la calidad cinematográfica, sino emocional, intelectual, e incluso filosófica de las películas) escribió sobre Fantastic Mr. Fox (2009, dir. Wes Anderson) lo siguiente:

A good story for children should suggest a hidden dimension, and that dimension of course is the lifetime still ahead of them.

Creo que es una idea que aplica perfectamente a todo tipo de obras, no únicamente las infantiles. El arte nos cautiva no sólo por lo que podemos entender y apreciar en el ahora, sino por los descubrimientos, las incógnitas, y los misterios con los que nos confronta, y nos hacen recordar lo mucho que aún ignoramos sobre la vida. Cualquier expresión artística es una forma de conectar con otra persona, pero en el fondo es una experiencia de comunión y reencuentro con toda la humanidad, que yace contenida en el microcosmos de la obra creada por el artista.

Esto me lleva a Paul Thomas Anderson. El cineasta norteamericano es uno de mis favoritos. Igual que con Terrence Malick, Ingmar Bergman, o Krzysztof Kieślowski, su filmografía (en particular las últimas tres There Will be Blood, The Master e Inherent Vice) siempre me ha costado trabajo, aunque, al mismo tiempo, me fascina. Da la impresión de que sus películas son más, que hay algo ahí escapándose de nuestro alcance. Los mundos que crea en pantalla parecen más complejos y vastos de lo que vemos a primera vista; sus personajes parecen esconder secretos y pasados que nunca llegaremos a conocer.

Phantom Thread, su más nuevo trabajo, es una obra de seducción. Cada encuadre, cada decorado, y cada vestuario es un festín visual. La película examina la vida de Reynolds Woodcock (el icónico Daniel Day-Lewis) --un modista británico de alta costura en los años cincuenta-- y su intensa relación con Alma (Vicky Krieps, recuerden ese nombre), su musa, modelo, amante (?). En principio podría parecer una historia de amor codependiente o una sátira del mundo de la moda, aunque, más bien, Anderson utiliza estos elementos para hacer una exploración detallada de la evolución de la seducción: no se trata del amor que comparten Reynolds y Alma (o su pasión por la moda), sino del proceso continuo que implica lograr la atención y atracción del otro, utilizando todos los recursos que sean necesarios.

Reynolds es un hombre que ama la rutina, la pose, y el control. Alma es una mujer libre, espontánea, genuina. Sus personalidades embonan, pero no combinan. La relación de ambos va mutando. Su dinámica de poder cambia constantemente. Tienen que aprender a romper sus vicios y costumbres; aunque signifique cambiarlos por otros nuevos. En medio de ambos está Cyril (Lesley Manville, excelsa), la hermana de Reynolds, quien administra la casa de moda, funge como ancla emocional, y ‘se encarga’ de las chicas de su hermano cuando resulta necesario. Cyril es la única constante de Reynolds; y para Alma representa a veces una enemiga, y otras, una aliada.

También están los vestidos de la Casa Woodcock (estos premios Oscar, me compadezco de cualquier diseñador de vestuario que no sea Mark Bridges): ocultando apariencias, realzando la belleza física, hechos a la medida para ensamblar únicamente con el cuerpo de una sóla persona. Una toma de medidas, una pasarela, o una sesión de fotos pueden alejar o acercar a la pareja de una forma íntima. Entre los pliegues de sus prendas, Reynolds oculta pequeños mensajes o secretos; fantasmas que mantienen su obra unida y reflejan más sobre quién es realmente este hombre que las muchas horas que pasa diseñando o cosiendo.

Lo más curioso de todo es que Anderson plantea Phantom Thread con si fuera un misterio de los años cincuenta (muchos críticos han mencionado ecos a Vértigo (1958) o Rebecca (1940) de Hitchcock). Sus escenas están llenas de ambigüedad y la sensación de que hay un terrible evento oculto en el pasado o acechando desde el futuro. De esta forma llama nuestra atención a pequeños detalles y acciones que parecerían inofensivas, pero están cargadas de intención y significado (cocinar una sopa, amigos, jamás fue tan tenso). Así nos prepara para aceptar las inesperadas vueltas de tuerca que da la atípica relación Reynolds-Alma. Su aliado principal para este efecto es la música casi vintage de Jonny Greenwood, que consigue ser simultáneamente suntuosa y amenazante.

Ya he escrito mucho y aún no he tocado el elemento más importante de sobre Phantom Thread: las tres interpretaciones principales. Daniel Day-Lewis ha anunciado que esta será su última película (espero que no lo sea). Su actuación final es magnética (parece casi hipnotizado cuando confecciona un vestido) e inesperadamente humorística, a pesar de ser bastante sutil. Reynolds Woodcock es igualmente carismático y despreciable, pero en ningún momento podemos cuestionar su genialidad. Vicky Krieps, por otra parte, empieza a penas su carrera y hace aquí una entrada triunfal: su Alma podría ser casi una víctima, pero le inyecta una tenacidad y perspicacia casi escondidas, que nos hacen dudar si es tan vulnerable como le ha hecho pensar a todos. Su éxito está en interpretar el papel con intensidad interior en vez de sobreactuar cada momento. Por último, Lesley Manville, como Cyril, es un ejemplo de control y economía interpretativa. Su mirada dice más que mil palabras. Hay un aire de ambigüedad en ella: es a la vez cortés, dominante, fría, y cariñosa; todas sus acciones parecen indicar que esconde secretos importantes y que sólo ella entiende lo que está ocurriendo, pero es incapaz de cambiarlo.

Hay demasiado que analizar y apreciar acerca de Phantom Thread. No es una película sencilla. Definitivamente no es muy ágil, o clara en un sentido tradicional hollywoodense. Sin embargo es visual y auditivamente preciosa, está interpretada a la perfección, plantea preguntas diversas e invita a lecturas distintas, no sólo de sí misma, sino de la vida en sí. Su cualidad enigmática nos invita-- no, nos seduce a pensar en ella mucho después de los créditos finales.